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Listín Diario. Jueves 16 de mayo 2024. 

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Raúl Morilla y su "Claustro para el Edén"

El gran premio de la 28 Bienal Nacional de Artes Visuales es una videoinstalación de contenido social que reta al espectador a ser parte de la obra  

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Yaniris López
Santo Domingo
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Grande, Raúl Morilla.
Con la videoinstalación “Claustro para el edén”, el artista visual dominicano se alzó con el gran premio de la 28 Bienal Nacional de Artes Visuales, inaugurada el pasado 16 agosto.
La obra, ubicada en el sótano del Museo de Arte Moderno (MAM), es la cuarta de una serie que Morilla ha venido trabajando en los últimos años con un mensaje muy claro: reflexionar sobre el individualismo, el egoísmo y la enajenación de los individuos en la sociedad.
Para hacerlo solo necesitó mallas de nylon, cilindros de metal, cerámica y reflectores, todo armonizado en una videoinstalación de 156 x 156 x 156 pulgadas.
Cada una de las cinco piezas de la obra convidan al espectador a ser parte de ella, de un claustro formado por sogas y cilindros. Los cilindros funcionan como celdas subterráneas en las que se ven imágenes que abordan, dice Morilla, el tema del egoísmo social: “De cómo las personas nos presentamos y nos comportamos tan indolentes con el prójimo”.
“Las grabamos dentro de un cilindro igual con la intención de mostrar cómo cada quien vive únicamente tomando en cuenta su propio mundo”, explica el artista a LISTÍN DIARIO.
El público se asoma al tambor para observar desde lo alto, entre otras imágenes, a un personaje que realiza acciones cotidianas: come, se viste, escudriña el exterior, se enfrenta a problemas, se desespera… Y entre las imágenes y el espectador está la malla, apunta Morilla, para reafirmar la barrera en las relaciones entre los seres humanos.

“En vez de verse afectado con las acciones, la desesperación y la agonía del personaje, el que observa actúa simplemente como espectador. La malla te reafirma ese concepto de división. Ahora mismo lo notas en la forma en que a la gente solo le preocupa observar, grabar a un muerto, un accidente o todo lo que pasa a su alrededor, pero no se atreve siquiera a tender una mano y ofrecer ayuda”.

Una obra interactiva 
En las videoinstalaciones de Morilla, el espectador, quiéralo o no, forma parte de la obra. La pieza lo reta a mirar dentro. No hay más opción si quiere entenderla. Es una característica de su trabajo desde que empezó a introducir videos en sus instalaciones, la primera vez en la obra “En espera de las fiestas fúnebres” (Arte Barceló, 2006).
Morilla comenta que “Claustro para el Edén” es muy interactiva porque le gusta que el espectador no solo participe de la instalación, sino que la comprenda.
“Por eso tratamos de crear un microespacio dentro del museo de manera que cuando el espectador entre sea parte de la obra y participe de ella”. Desde lo individual, las imágenes invitan a reflexionar en temas relacionados con el hambre, la violencia, el medio ambiente y la presión social.
¿Y por qué estos temas?

Morilla sostiene que en medio del ajetreo permanente en que se vive hoy, hay momentos en los que el ser humano tiene unos 10 o 20 segundos de lucidez y entonces se da cuenta del gran teatro que es el mundo, de cómo moldean sus acciones las grandes cadenas noticiosas, los grandes emporios económicos y las marcas.
“Y entonces te llegan unos segundos de lucidez en los que piensas ¿qué es esto?, ¿hasta dónde llega esto? Pero a la media hora vuelves a entrar en tu engranaje, en tu entorno, y solo piensas en ti, en trabajar, en producir. Y se te va la vida en eso”.
El instalador recomienda ver la obra caminando de derecha a izquierda para mantener la hilaridad en el tema. Aunque, claro, “es una propuesta muy personal, porque al final el espectador lo ve como guste”, dice.

Una plataforma importante 
Arquitecto, dibujante, instalador y escultor, Raúl Morilla nació y vive en La Vega, ciudad donde realiza todos sus proyectos. Algo que recuerda con una sonrisa es que la propuesta que presentó en la pasada bienal, en 2013, fue rechazada por el jurado de selección. Y la recuerda sonriente porque de rechazado pasó a ser el gran ganador de la siguiente edición.
“La plataforma de la Bienal es muy importante. Tienes la oportunidad de mostrar tu trabajo a un gran público que no logras ni con una colectiva ni con una individual”, reconoce Morilla.
El premio le llegó, además, luego de una exitosa participación en la XII Bienal de La Habana, en Cuba, donde presentó en mayo de este año la instalación urbana “Entrando en las Afueras”.
La próxima videoinstalación de la serie que Morillo tiene en carpeta se llamará “Sudando en el limbo”. Conozca más del artista y su obra en www.raulmorilla.com

La Quinta Trienal Mundial del Tile Cerámico

Con la participación de artistas visuales de 112 países, el Museo de Arte Moderno (MAM) acoge la más grande y abarcadora muestra del mosaico cerámico. 

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Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com
Santo Domingo
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¿Cuántas impresiones caben en un mosaico cerámico de 15 x 15 centímetros? Las paredes del primer piso del Museo de Arte Moderno (MAM) recogen unas 300 de los artistas visuales que, provenientes de 112 países, participan en la Quinta Trienal Mundial del Tile Cerámico (elit-tile 2014), la muestra más grande e importante del tile cerámico en el mundo con sede en República Dominicana.
Organizada por la Fundación Igneri/Arte y Arqueología, la trienal está dedicada al maestro del dibujo Aquiles Azar García (República Dominicana, 1932).

Convocatoria histórica
Al concentrar el talento de 300 expositores de más de 100 países, la edición 2014-2015 se ha convertido en una convocatoria histórica, considera Thimo Pimentel, organizador de eli-tile y presidente de la fundación Igneri.
“Lo que llama la atención a los amantes de las artes visuales es cómo creadores de todas latitudes y culturas abordan una superficies de apenas 15 x 15 centímetros para desarrollar en ella conceptualizaciones, propuestas semánticas y las más variadas técnicas que van desde el barro cocido en hornos primitivos, la terracota, la loza vidriada, el gres, la cerámica de alta temperatura, el mosaico porcelanizado y el rakú como de igual manera la simbiosis de la masa cerámica con materiales no cerámicos en atrevimientos permitidos por las bases del evento”.

Pimentel también suele recordar que elit-tile no es un concurso, sino la más grande y abarcadora muestra del tile cerámico del mundo nacida hace 16 años para fomentar la fabricación y uso del tile o azulejo cerámico, promover el uso de la cerámica en la arquitectura y a la vez inventariar, estudiar, rescatar y promover la obra del maestro Paul Giudicelli, padre del arte abstracto y la cerámica en la República Dominicana.
“Los tiles cerámicos tienen su lenguaje propio. Diseñar para un espacio pequeño es un reto que estimula partes del cerebro habitualmente dormidas”, comenta Thimo.

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Sobre el nombre “elit-tile”
Con más de seis siglos de uso, Thimo explica que el azulejo o tile cerámico se produce con cuatro elementos: tierra, aire, agua y fuego. Y que la corta y práctica palabra inglesa “tile” abarca las diferentes variantes de la loza plana.
“La palabra castellana para ‘tile’ es azulejo. Se le llama mosaico cuando tiene menos de seis pulgadas cuadradas (15 x 15 cm) y olambrillas a las más pequeñitas. En cerámica el ‘tile’ puede ser una olambrilla, un mosaico, un azulejo, un baldosín, una loseta, una placa pequeña plana con o sin relieve”. Escogieron la palabra ‘elit’ o élite para el evento, sigue thimo, porque representa lo mejor, la excelencia y lo más selecto del azulejo cerámico.
“Y así hemos convertido a elittile en el más importante evento mundial con sede en el Caribe, en nuestra República Dominicana”.
Acompañada de actividades culturales paralelas, la muestra estará abierta al público hasta febrero del 2015. El MAM abre de martes a domingo de 9:00 de la mañana a 5:00 de la tarde. 

El maestro Oviedo en todo su esplendor

Red para especímenes.

Cien obras del pintor Ramón Oviedo de la colección Mario Martínez se muestran al público en el Museo de Arte Moderno (MAM) a partir del martes 22 en la exposición “Oviedo: El triunfo del espíritu”.

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Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com
Santo Domingo

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Dando al público la oportunidad de conocer obras inéditas del “Maestro ilustre de la pintura dominicana”, título que le otorgara el Congreso Nacional en 1997 a Ramón Oviedo, el economista y empresario Mario Martínez aceptó compartir 100 piezas de una colección que fue armando con amor, pasión y paciencia.
La inauguración de “Oviedo: El triunfo del espíritu” está pautada para el próximo martes 22 a las 7: 00 de la noche en la primera planta del Museo de Arte Moderno (MAM).
En la muestra se podrá apreciar todo el conjunto de la obra de Oviedo, dice a LISTÍN DIARIO el crítico de arte Amable López Meléndez, curador de la muestra y curador jefe del MAM.
El recorrido visual incluye algunos de sus primeros dibujos, bodegones, paisajes, marinas, desnudos y, por supuesto, muchos de sus característicos cuadros policromos y autorretratos.

La colección
Mario Martínez se confiesa un enamorado de Ramón Oviedo (Barahona, 1924), de “su versatilidad, de la forma en que trata la cotidianidad, de su dibujo y del sentido del humor que impregna a muchas de sus obras y de su constante renovación, que le ha valido llamarlo el maestro siempre joven por algunos de sus amigos y críticos de la plástica y muy en especial del maravilloso ser humano que refleja su grandeza con humildad”.
Recuerda que inició la colección con algunos dibujos a mediados de los 80. Para esa época, ya Oviedo era un artista consagrado dentro y fuera del país.

Se busca un hombre honesto.

¿Cómo fue armando la colección?, le pregunta LISTÍN DIARIO.
“Con amor, pasión y paciencia”, responde.

Lo especial de esta colección hoy día, explica López Meléndez, es que “está compuesta por un conjunto de trabajos que, a grandes rasgos, se caracteriza por la síntesis y la diversidad, no sólo en referencia a las obras, sino también en relación a los lenguajes y los estilos que transforma”.
Y agrega: “Esta colección suma hallazgos excepcionales, ejecutados en distintas etapas creativas y en los cuales Oviedo accede a una formidable polisíntesis de lo estético, lo lúdico y lo reflexivo, así como una serie de obras caracterizadas por las intrincadas tramas de líneas, espectros, fantasmagorías y ficciones”.

Maestro de las líneas y el color

En un gesto inusual entre los coleccionistas de arte, Mario Martínez celebra la decisión del Museo de Arte Moderno (MAM) de abrir sus puertas al coleccionismo privado.
Dice que es posiblemente la primera vez en la historia que el público podrá ver dos colecciones privadas en la primera y segunda plantas del MAM: la suya (con obras de Oviedo) y la de Fernando Báez (con obras de 93 artistas, incluyendo obras de Oviedo).
“Dependemos y sufrimos un poco del egoísmo del coleccionista, pero en lo personal me he convencido de que nosotros no podemos tener todas esas obras guardadas”, sostiene.
Según Amable López Meléndez, curador jefe del MAM, ese es precisamente el objetivo de la institución con esta iniciativa: “Traer a esos grandes coleccionistas al Museo para que ese tesoro que tienen lo acerquen a la sociedad”.

Autorretrato a lo Dorian Gray.

Y compartir, para el crítico de arte, es también una de las características que definen al coleccionista que es, además, mecenas.

“Compartir, mostrar. Si tú acumulas el tesoro sólo por juntarlo no estás aportando nada. El mecenazgo contribuye a sostener la producción artística. Si nadie compra arte los artistas no van a producir, se van a dedicar a otra cosa”.

Matices
En el caso de Oviedo, se trata de una colección de muchísima importancia para las artes plásticas dominicanas.
“Es el artista del que más se va a escribir aquí”, señala López. “Por su peculiaridad, por la diversidad que plasma en su trabajo,  por su manejo del lenguaje pictórico y por la forma como se imagina los mundos y a los artistas y cómo los transforma. Es el más consistente en la reflexión y el más productivo”.
Reflexión, misterio, miradas que hablan –a veces cargadas de dolor, a veces de sarcasmo-; humor y un manejo magistral de la línea y de los colores es lo que verán los ojos que contemplen la obra de Oviedo por placer.
Ese humor del maestro del que hablaba Martínez, por ejemplo, está presente en esta exposición en obras de marcado matiz social y en algunos de los autorretratos a los que recurría Oviedo para burlarse de sí mismo o para criticar a la sociedad. 

Bodegón

Y como si de un regalo para los más jóvenes se tratara, hay un bodegón que de acuerdo con López Meléndez “expone de manera elocuente la formidable síntesis expresiva y la sagacidad del vuelo conceptual con que se luce Ramón Oviedo en una parte considerable de su producción facturada entre finales de los 70 y principios de los 80 del siglo XX”.
“La exquisita sobriedad de la atmosfera, la automática pureza de la línea, la precisión del dibujo, el 'insípido’ acromatismo de la superficie y el 'cristalino’ espíritu minimalista de la composición, hacen de este 'Bodegón’ un hallazgo estético exquisitamente singular”, escribió al respecto.

Libros
Martínez es también el promotor del libro “Oviedo: El esplendor del mural”, de Efraim Castillo, que será puesto a circular el martes durante la inauguración de la individual.
“El maestro me había mostrado su interés de la publicación de un libro –que se lo habían prometido en el 2003- sobre los murales que ha realizado”, cuenta Martínez. 
Veintitrés. Algunos se encuentran repartidos en organismos internacionales (en las sedes de la Unesco, en Francia; y en la OEA, en Washington) y en instituciones locales (Banco Central, Cámara de Diputados y Suprema Corte de Justicia).

Sin título.

“Efraim Castillo desmenuza los murales con mucha propiedad porque él vio nacer a muchos de ellos”, comenta Martínez.

Para el cierre de la exposición, a finales de agosto, se pondrá en circulación “Oviedo: El triunfo del espíritu”, del historiador, crítico y artista plástico Danilo de los Santos. Este libro contiene casi todas las obras de la colección Mario Martínez y del coleccionista Oriolis Olivero.

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PREMIO NACIONAL. El martes pasado Oviedo recibió en su hogar el Premio Nacional de Artes Plásticas 2013, otorgado por el Ministerio de Cultura (MINC) “por la excelencia de sus aportes renovadores al desarrollo del arte nacional y su trayectoria”. 
Allí habló de música, de teatro y de la importancia del relevo profesional -del cual él sabía que no estaba exento.

HORARIO. La exposición “Oviedo: El triunfo del espíritu” permanece abierta en el Museo de Arte Moderno (MAM) de martes a domingo de 9:00 de la mañana a 5:00 de la tarde.

Knock out al boxeo.

Recordando a don Pedro Mir

Hoy se cumplen 101 años del nacimiento del poeta nacional. ¿Sabías que, además de sus reconocidos poemas sociales, también le escribió al amor?

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Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com.do
Santo Domingo
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El poeta nacional de República Dominicana nació el 3 de junio de 1913. Hoy cumpliría 101 años.  Autor de relatos, poesía, ensayos y una novela, Pedro Mir es reconocido en Latinoamérica por su legado poético, al punto de ser considerado uno de los poetas más importantes de las letras hispanoamericanas del siglo XX.
Aunque su poesía más conocida tiene un marcado matiz político social, del que dan cuenta tres de sus poemas más famosos: “Hay un país en el mundo”, “Amén de mariposas”  y “Si alguien quiere saber cuál es mi patria”, Mir también escribió poemas dedicados al amor.
Para honrarlo en la fecha de su natalicio, publicamos dos composiciones líricas de su poesía amorosa.

ALEGRÍA DE LA MAÑANA BLANCA
Son
las nubes
de almidón.
¡Estoy de besos henchido
como una vela blanca!
Alza mi alma un sonoro
cáliz de ritmo de plata
en la misa del sol y del verso
bajo los cúmulos de algodón.

Esta es la fiesta de un hombre
que emborrachó de emoción.
¿Quién te llevó por el río
para besarte la falda?
¿Quién te decía los versos
y te confiaba las cartas?
¿Quién te apretaba el meñique
y los besos te robaba?

¡Ah, las nubes de almidón
me poetizan la mañana!
Nadie te cuenta mis gozos
de almidón de nube blanca,
y tu sombra me persigue
por esta alegría larga...
¡Siga el canto! ¡Siga el canto!

Que el pecho me da en merengues
un corazón de guitarras!
Están de almidón los días
y de almidón las semanas:
días,
semanas,
días,
semanas
y siempre las alegrías
de almidón por las mañanas.

¿Quién sorprendió los cariños
y te contó las pisadas?
¿Quién se achicó en tus pupilas
por culpa de una mirada?

¡Ah, la mañana se asombra
de nubes almidonadas...!

Fiebre de luz y de sombra
violentamente contrastan,
las mismas que me dibujan
y en tus ojos me retratan.

¿Fiesta? La de tus ojos.
¿Parranda? La de tu cara.
Felicidad y alegría.
¡Triunfo de las nubes blancas!
Conviérteme todo en besos
para estamparme en tu cara.

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POUR TOI

Estoy de ti florecido
como los tiestos de rosas,
estoy de ti floreciendo
de tus cosas...
Menudo limo de amores
abona mis noches tuyas
y me florecen de sueños
como los cielos de luna...

Como tú mido los pasos
y la distancia es más corta,
hablo en tu idioma de amor
y me comprenden las rosas...
Es que ya estoy florecido.
Es que ya estoy floreciendo
de tus cosas.

Ángel Rivera: “El peso y la levedad”

“La magia de la nostalgia”

Inspirada en una obra de Milán Kundera, la muestra es una mezcolanza entre la comunicación visual, la tecnología y la interpretación literaria.

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Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com

Santo Domingo
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Traducir a un lenguaje visual la concepción filosófica de la existencia plasmada por el escritor checo Milán Kundera en la introducción de su celebrada obra “La insoportable levedad del ser” (1984) es un ambicioso reto. ¿Se imaginan expresar en el mismo retrato el antagonismo del peso y la levedad? ¿Hacer visibles en el mismo espacio la ingravidez de la vida y del pensamiento y la pesada carga que mantiene al ser humano a ras de tierra?
Al artista dominicano Ángel Ricardo Rivera le tomó un año conseguirlo de la mano de recursos que, en conjunto, forman una mezcolanza entre el arte visual, la tecnología, la literatura y las experiencias personales.
Ilustrador, diseñador gráfico, publicista y fotógrafo, si alguna vez Rivera pensó conjugar en un solo trabajo los recursos artísticos de sus múltiples habilidades lo ha conseguido con El Peso y la Levedad, la exposición que inauguró el pasado martes en el sótano del Museo de Arte Moderno (MAM).
Su gran aliada, en este trabajo, ha sido la fotografía intervenida.
“Una fotografía descompuesta; destruida y compuesta a la vez, que se destruye y se construye para conseguir un mensaje específico. El artista está buscando a dónde llegar y es libre de escoger una o varias fotografías hasta conseguir ese mensaje”, lo explica Rivera.

“Coexistencia, peso, levedad” y “Contradicción misteriosa...”

¿Qué muestran los cuadros? Paisajes, cuerpos humanos, cuerpos de agua, nubes, piedras, arena, ramas, aves, suelo, sábanas al aire, danzas... Imágenes, como dice el artista, que por ser cotidianas, personales e íntimas “imprimen lirismo a nuestra trayectoria de vida de un presente indetenible, de un pasado inexistente, sin entrar en teorías de alfabeto o argumentos existenciales. Solo la imagen”.
Imágenes, sigue, “que unas veces son ligeras, etéreas, como la sábana ingrávida, y otras, por el contrario, nos derriban en llanto contra la tierra por su insoportable peso”.

Se vale interpretar
El título de cada obra invita a descifrar su contenido, a interpretar esos conceptos a los que Kundera hace alusión cuando se refiere al peso y a la levedad: “El pensamiento, la carga más pesada”, “A ras de la tierra…”, “El mito del eterno retorno”, “Ausencia absoluta de carga”, “la carga más pesada nos destroza”, “insoportable levedad”.
Una vez inicia el juego visual, los contrastes del discurso son fáciles de comprender: la levedad de la nube que se pasea frente a las paredes macizas de la Catedral Primada; la chichigua que yace desbaratada en el pavimento tras un vuelo de gloria surcando los cielos; el cuerpo tragado por la arena, el ligero torbellino de los tiempos de crisis…

En primer plano: “El pensamiento, la carga más pesada”

¿Cuáles detalles forman parte de la fotografía original y cuáles han sido introducidos? Aunque el observador intentará desenredar la foto, al final no se trata de que la fotografía no parezca intervenida.
“Esto ya no es arte fotográfico, sino comunicación visual. Hay un momento en que la fotografía desaparece y se convierte en comunicación. Lo que menos pretende el artista es ser fotógrafo. Él ha utilizado la fotografía como eje central, pero aquí lo que hay es un discurso formal dirigido, construido con un propósito, que es comunicar”, expresa Rivera.
En esta exposición, dice la crítica de arte e historiadora Sara Hermann, Rivera “compone un mundo de espacios imaginarios donde la certeza de las coordenadas geográficas tiene poca importancia”.
“El lugar cataliza, pero no determina”, escribe la curadora.

Discurso visual
En El Peso y la Levedad, incluso el formato de las obras cumple una función visual: son cuadradas. Catorce de las 15 láminas miden 44 x 44.

Ángel Ricardo Rivera -- Instalación “El peso y la levedad”

“El concepto del cuadrante es interesante. A nivel tecnológico, digital, cuando se representan las imágenes en el media, estas son cuadrantes. Y cuando trabajas con un solo formato le das cierta uniformidad al discurso, porque el hilo conductual de la narrativa se mantiene coherente”, opina Rivera.
La exposición estará abierta al público durante el mes de marzo de martes a domingo, de 9:00 de la mañana a 5:00 de la tarde.

Perfil
Ángel Rivera estudió Artes Publicitarias en la UASD. Su relación con la plástica comenzó en 1984, cuando participó con un trabajo de serigrafía en la XVI Bienal de Artes Plásticas de Santo Domingo. Desde entonces ha participado en bienales, concursos y exposiciones colectivas e individuales en Estados Unidos, Puerto Rico y República Dominicana.

Soucy Pellerano: humilde y grande

Recuerdan a la maestra de la plástica dominicana fallecida el pasado miércoles como una artista celosa de su obra y comprometida con sus ideales de creatividad y autenticidad.

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Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com
Santo Domingo
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Soucy Pellerano, artista plástica dominicana fallecida el pasado miércoles a los 85 años, introdujo un nuevo lenguaje en el arte local que serviría para dar lectura a sus singulares trazos, instalaciones y esculturas.
Luego de destacarse en la pintura y el dibujo, la también grabadista, escenógrafa e instaladora nacida en 1928 fue pionera en la creación de esculturas móviles de grandes dimensiones hechas con hierro, acero y otros materiales reciclados. Las llamó “M (aquí) Notromes” y hoy son una referencia en el arte caribeño.
Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1967 y doctora en Farmacia y Química por la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), los aportes de Pellerano a la sociedad trascienden el mundo de la plástica.
“Fue humilde y grande. Celosa de su obra y comprometida con sus ideales de creatividad, autenticidad y seriedad del arte”, la recuerda el escritor, crítico de arte y presidente de la Fundación Acción por el Futuro (Fundacción), Ignacio Nova.
Nova destaca que el compromiso social de Soucy Pellerano le venía de su calidad de biznieta del mártir independentista Francisco del Rosario Sánchez.
Su nombre era Jesusa Castillo Sánchez.
“Entre sus aportes al arte y a la sociedad está su reclamo sin tregua por la igualdad de género. Mucho de su obra aborda y expone el carácter de equilibrista de la mujer, manejándose en una sociedad con el pesado fardo (estela) de hijos y familia. Soucy vivió eso hasta su último respiro. Con éxtasis y agonías”, dice Nova a LISTÍN DIARIO.

Escultura y pintura
Como escultora, Nova indica que el nombre de Soucy Pellerano debe ser colocado en igualdad de condiciones a los de Manolo Pascual, Antonio Práts-Ventos y Gaspar Mario Cruz.
“En escultura ella tuvo la osadía que el país no tuvo: el hambre metaforizada por el desarrollo técnico e industrial cuajó en impresionantes y robustas obras artísticas. Está entre los pocos exponentes mundiales del arte cinético. Una propuesta que tiene la virtud de haber derribado a la escultura de su esclavitud a lo conmemorativo, el ornato ambiental y la decoración de interiores”.
El escritor también resalta el trabajo pictórico de Pellerano.0
“Su pintura fue socialmente crítica. Abordó los problemas humanos de nuestra sociedad, especialmente metaforizó la contaminación del ser en un entramado infra industrializado”, explica.

Pura fantasía
Sobre los “maquinotrones” de Soucy Pellerano, el recientemente fallecido pintor, escritor y crítico de arte Fernando Ureña Rib dijo que “eran máquinas forjadas a fuerza de pura fantasía, sin adornos, sin función y sin otro propósito que despertar el niño juguetón y curioso que todos llevamos dentro”. “Una tuerca, un alambre, una plancha oxidada le servían. El espectador debía atravesar los mismos caminos que la creadora e ir ensamblando mentalmente aquellos rompecabezas visuales y táctiles donde el humor todavía es posible”, escribió Ureña Rib, fallecido el pasado 27 de diciembre en Berlín, Alemania.
En alusión a su talento, el artista plástico Tony Capellán llegó a referirse a Soucy como “la gran maga del arte dominicano”. En 2003, la artista presentó en Bellas Artes la retrospectiva “Dos, tres, cuatro dimensiones”, en la que reunió 30 años de innovadora creación.

Pedro Antonio Valdez y una batalla muy peculiar

El escritor dominicano recrea en “Dromedáriux: la batalla del armario” una historia fantástica que desafía la imaginación del lector infantil.  

Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com
Santo Domingo

“El mundo como lo conocemos está en peligro”. Los objetos guardados en los armarios de la casa de Dromedario se sienten ofendidos por el destino final que le dio el hombre a su materia prima y han decidido vengarse. ¿Quién podrá defender el universo? Prepárense para ser parte de un encuentro galáctico, de una contienda jamás imaginada, de la gran batalla entre el Caballero de la Caja de Plata y el Ejército de los Armarios.
Con una larga lista de títulos exitosos que incluyen relatos, novelas y obras de teatro -casi todos premiados-, el escritor dominicano Pedro Antonio Valdez (La Vega, 1968) se inicia en la producción de literatura infantil y juvenil con “Dromedáriux: la batalla del armario”, el libro que le mereció el V Premio de Literatura Infantil El Barco de Vapor Dominicano 2013.
Dromedario, un chico que se considera inteligente pero que detesta hacer las tareas, es castigado durante las vacaciones de verano sin un día de playa junto a su madre y hermana. Debe quedarse en casa, vigilado por la tía Lola. Así que, a falta de auténtica acción, él la crea. ¿O fue provocado?
¿Por qué se rebelan y lo atacan el gato de su hermana, la bota que formó parte de la piel de un cocodrilo, la maleta hecha con el cuero de una mansa vaca, la correa que dice fue una orgullosa boa constrictor admirada y respetada en la selva?
Dromedáriux tiene que defenderse. Con la ayuda de la princesa Natalya y el poder de la Caja de Plata, debe crear su propio ejército de “transformers” y defender el mundo. ¿Quién ganará la batalla?
La bitácora a dos tiempos de Dromedario –el real y el ‘verdadero’- no es lo que el lector prejuiciado con la literatura infantil se imagina. Es la narración, a la velocidad de un rayo y con una destreza que atrapa, de una batalla que tiene mucho de cine, del mundo de los ‘muñequitos’, de escenas que una vez finalizadas ponen a cien la imaginación infantil y convierten cualquier espacio en un cuartel o en una nave nodriza y cualquier artefacto en una bola de fuego, en una montaña cuadrada, en un equipo transmisor…
En todo lo que la febril imaginación de Valdez ha demostrado que puede hacer con las palabras.


Ping-pong a Pedro

Hay mucho de TV en Dromedáriux... ¿te inspiraste en algún personaje o en alguna serie de ‘muñequitos’ para escribir la historia? ¿O te había hecho ilusión desde siempre crear este tipo de historias fantásticas?
El mundo de la TV, sobre todo el animé y los dibujos animados, debía estar presente en esta historia, porque esa estética está muy presente en la formación de los niños y niñas desde hace un tiempo. En general, la imaginería de los dibujos animados siempre ha estado presente en mi forma de contar las historias. Esa historia la tenía pendiente, en el tintero de la imaginación, desde hace mucho tiempo, hasta que al fin me decidí a escribirla.

¿Cuánto te costó convertir a un chico tan travieso en un héroe de la creatividad y la invención?
No mucho. Simplemente estar a su lado en su forma de ser.

Te inicias con esta obra en la publicación de literatura infantil y juvenil, ¿es la primera que escribes o tienes otras historias infantojuveniles guardadas por ahí?
Siempre he tenido presente escribir para niños. En la década de los noventa escribí una obra de teatro infantil; y en una época escribí poesía y cuentos infantiles.

¿Cómo ves la literatura infantil en RD? ¿Qué piensas del contraste entre historias de fantasía (como esta) que ponen a reflexionar al niño lector de forma divertida y aquellas historias de claro perfil moral que, pese a sus buenas intenciones, terminan aburriendo a los pequeños…?
Aquí tenemos buenos escritores de literatura infantil, sobre todo de poesía y cuento, en la capital y en las provincias. Creo que la literatura infantil debe ser parte del juego de la niñez. Sabemos que los niños y niñas juegan para aprender, y la literatura debe sumarse a este proceso. Lo primero, si tengo que plantear un orden, es que los lectores se diviertan; lo segundo, muy cerquita de lo primero, es que aprendan algo.

La historia sugiere un fin que no es fin, ¿viene una serie de Dromedáriux?
Sí, Dromedáriux es una serie. El chico se seguirá metiendo en problemas porque los niños, como sabemos, son inagotables.

(+) Otros libros del autor
Pedro Antonio Valdez ha publicado, entre otros títulos: “Papeles de Astarot” (1992), “Última flor del naufragio” (1995), “Paradise” (1998), “Bachata del ángel caído” (1999), “Naturaleza muerta” (2000), “La rosa y el sudario” (2001), “Narraciones apócrifas” (2005), “Carnaval de Sodoma” (2002, llevada al cine por el director mexicano Arturo Ripstein), “Palomos” (2010), “Mitología de bolsillo” (2011) y “La Salamandra” (2012).

Una relación de amor y odio

Así describe el artista visual Edward Tellería su vínculo con el arte. Y no solo el suyo. En esta entrevista nos cuenta por qué se ha convertido en un crítico de la plástica dominicana.

                  

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Yaniris López
yaniris.lopez@listindiario.com 
Santo Domingo

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La relación de amor y odio que mantiene Edward Tellería con el arte abarca muchos ángulos, algunos bastante controvertidos.
Radicado en Boston desde 2007, el artista visual dominicano visitó Santo Domingo para participar con sus obras en la feria “Viva el Arte/Fundacción, 2013”, que se celebrará el próximo martes 26, y aprovechó para conversar con LISTÍN DIARIO sobre su obra y sobre la ¿decadencia? del arte dominicano.
Tellería es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde realizó estudios entre 1989 y 1996.
En “Viva el Arte”, el público podrá adquirir y observar parte de su obra pictórica trabajada a partir de 2011, un conjunto visual que le ha merecido el elogio del público: sus caballos desbocados, sus músicos coloridos, sus rosas amontonadas y sus inconfundibles miradas monocromáticas sin fondo, sin iris...

Claro que sus rosas ya no tienen los colores cálidos, tropicales que inspiraron sus primeras pinceladas. Ahora son más grises, más plata, explica Tellería. ¿Por qué el cambio? Porque el ambiente que lo rodea en Boston tiene menos colores y porque Tellería cree mucho “en  lo calmado, en lo tranquilo”.
“Uno lleva una vida muy ajetreada. Necesitas paz, calma y disfrutar lo que haces. Entonces yo pinto para mí, y al pintar para mí los demás van a entender lo que estoy haciendo.  A veces me olvido del público. Antes pintaba pensando en el público y ahí hay un error, porque cuando entras a la academia pintas para los profesores y para agradar a los demás estudiantes. Es una especie de competencia”.
Es la época, dice Tellería, cuando el artista pinta lo que le ordenan (especialmente paisajes y bodegones), cuando trata de copiar a los impresionistas, buscar un estilo propio, encajar en un estilo y llegar como artista a un nivel.
¿A cuál nivel? No sabe, porque para Tellería, la decadencia que según él vive el arte dominicano se debe en parte a ese afán de encasillar al artista en determinadas tendencias.
“Que si es moderno, que si no es moderno, que si es comercial, que si no lo es. Todo eso pasa en el arte dominicano y por eso es que internacionalmente no estamos en ningún sitio, porque se quiere entrar al arte internacional haciendo lo que hacen los pintores internacionales. Y resulta que los pintores internaciones tienen éxito porque hacen lo que quieren hacer, no porque copian lo que hacen los otros pintores”.
Es algo que se repite en la música, en la literatura, en las manifestaciones artísticas en general, opina.
“Quieren hacer un arte universal y eso no existe”.

Pocas referencias
Tellería no cree en la teoría de que si la obra no tiene un perfil internacional no va a tener éxito.
“Hay público para todo. Hace un tiempo, en una charla que impartí sobre ‘Arte y comercio internacional en RD’, explicaba que aquí hay artistas considerados maestros de la media isla que se llaman maestros porque así los etiquetaron los críticos y los galeristas, solo por eso”.
Sin embargo, dice que muchos artistas jóvenes no encuentran apoyo fuera del país porque no hay referencias de peso que les sirvan para abrir las puertas. Y al decirlo no teme a las críticas, asegura, por el siguiente motivo: “El que compra tu obra es el que aprecia tu trabajo. El galerista nunca te compra una obra, el galerista pone a vender la obra; el crítico no te compra una obra, te pide obras para criticar, o te pide dinero, y si no pagas, ¿qué te va a criticar?”
¿De qué forma perjudica esto al arte?, le preguntó LISTÍN DIARIO.
“Mira dónde estamos -responde- somos un país de primacías, tenemos lo primero de todo (en América) y no tenemos un artista reconocido internacionalmente. Me dirán Jaime Colson y otros, pero no es así. Ahora mismo no hay, que me digan uno”.
Esta afirmación, por supuesto, también le toca a él, a Tellería. ¿No es una forma de escupir hacia arriba, de clavarse también el cuchillo?
“Sí, pero es que no tengo de dónde aferrarme. ¿Quién nos abre las puertas fuera de este país? ¿Quién nos ayuda? No nos ayudan porque no hay un arte que se promueva fuera del país. Esto es un negocio”.
Poco le importa que lo condenen por esta declaración porque, dice: quienes critican esto “no compran obras, no me patrocinan, no me venden una obra, no les interesa comprar ni vender”.

Más tonos grises
El cambio en los colores de su paleta se debe también, apunta Tellería, a que ha comenzado a entender y a disfrutar el minimalismo.
“Con el ajetreo del día a día, cuando llegas a un espacio lo que quieres es relajarte. La tecnología, la fotografía están haciendo parte del trabajo del artista. Lo que te queda es disfrutar lo que haces, una obra personal a la que poco a poco vas quitando pinceladas”.  ¿Qué no quitaría nunca de su trabajo? “Los ojos. Nunca quitaría las miradas”, afirma. Es algo que le ha seducido desde joven.
Esa prisa de la que habla Tellería explica la presencia de los caballos en su obra.  Estos aparecieron cuando el artista llegó a EE. UU. en 2007. Tenía planeado hacer una exposición en Provincetown y en ella no figuraban estos animales.
“Me quedé allí trabajando por varias semanas, viendo el corre-corre de la gente. Pensé en caballos con ojos azules, verdes y me dije ‘son caballos norteamericanos’. Sus caballos, sigue, simbolizan a las personas que siempre van hacia una meta, que corren aunque ya tengan todo lo que han ambicionado en la vida; que cumplieron sus metas y siguen corriendo. ¿Para dónde van?  “A algunos caballos les pongo esas flores que parecen ‘flores de muertos”, porque parece que su meta final es la muerte”.

“El arte sí es comercial”
Tellería, el chico que caminaba a pie desde su casa, en Los Mina, hasta la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Zona Colonial; el que robaba la pintura de sus compañeros para poder pintar, confiesa que vive al ritmo mágico de la vida forjando  una carrera de tiempo, de trabajo y de inversión.
No está de acuerdo con las quejas que insinúan que en el país no hay mercado para el arte o que en el país el público no consume arte.
“Hay demasiado arte en República Dominicana. Hay tres ferias importantes de arte para un país pobre. Si la gente adquiere arte o no depende de su bolsillo y de si le gusta el arte. El arte no es una necesidad. No se puede obligar a la población a comprar arte”, opina.
De todos modos, explica, hace falta romper el mito de que el arte no es comercial.
“Yo soy un artista comercial, porque pinto y se vende. No tengo un almacén para mis cuadros. El que pinta, ¿qué hace con las obras?, ¿se las come? Yo pinto por placer, para mí, y la gente lo compra”.
Tellería se ensaña con el arte plástico pese a que las críticas también le tocan a él.
“Es una cosa de amor y odio. Hay quienes me dicen que la ventaja mía es que salí de Santo Domingo, porque en el país llegas a un punto y topas, de ahí no coges ni para arriba ni para abajo, te mueves horizontalmente”.
Y agrega: “Algunos pintores somos artistas de paredes, pintamos para que nos coloquen, no para que nos guarden en un almacén. Mi obra no está hecha para ser guardada en un almacén, como una chequera. Es para que la pongas en las paredes y la puedas disfrutar. Mucha gente compra obras y las almacena porque dice ‘este es mi mercado, mi ahorro. No es para eso el arte”.

La feria
En la feria “Viva el Arte/Fundacción, 2013”, que tendrá lugar el 26 de noviembre en el Club Libanés-Sirio-Palestino de Santo Domingo, el público podrá adquirir las obras de 25 artistas dominicanos (dos residentes en el extranjero), y obras del fallecido pintor puertorriqueño Andy Bueso.
El evento, organizado por la Fundación Acción por el Futuro, reconocerá a Guillo Pérez porque “él y su obra constituyen un punto luminoso en la historia del arte nacional del siglo XX”.
Ignacio Nova, presidente de la fundación, dice que la actividad brinda al público la oportunidad de adquirir obras de arte “directamente de los artistas y de acreditadas galerías de arte, minimizando el riesgo de plagio y fraude, de encarecimiento o intermediaciones escasamente profesionales, partiendo de las preferencias y gustos propios y comparando las propuestas”.